Las 20 mejores bandas sonoras de videojuegos de la historia
Las bandas sonoras de los videojuegos han recorrido un largo camino, desde los bleeps y bloops de antaño hasta los popurrís orquestales y los ritmos de vaporwave de hoy. Cuando hablamos de la eficacia de un juego en lo que intenta hacer, la música suele jugar un papel clave.
Los cánticos épicos del coro en Skyrim te animan a luchar contra un dragón, el popurrí de piano solitario en Breath of the Wild ayuda a vender el aislamiento silencioso de Hyrule, y los instrumentales folclóricos de The Witcher 3 te hacen sentir como en casa en el continente.
Pero, ¿cómo les va a estas bandas sonoras de juegos por sí solas, eliminadas de la acción en pantalla? Como alguien que solo escucha música de videojuegos en el trabajo para no distraerse con las letras, conozco la diferencia entre un motivador de golpeteo y una cacofonía olvidable. Eliminando el favoritismo nostálgico y, en cambio, centrándonos en los logros musicales, aquí están nuestras selecciones para las mejores bandas sonoras de videojuegos. Comienza a transmitir y disfruta.
Bastión (2011)
Por muy bueno que sea Bastion, se define por su impresionante banda sonora. El compositor Darren Korb desarrolló un sonido hip hop acústico único utilizando ritmos muestreados junto con una guitarra acústica. La banda sonora del juego se lanzó por separado con canciones adicionales no incluidas en el juego, lo que hace que los sonidos de Bastion se destaquen entre la competencia.
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Chrono Trigger (1995)
Chrono Trigger es uno de esos esfuerzos creativos únicos en la vida que no podrías repetir aunque lo intentaras. Si bien la mayoría recordará al equipo de diseño del juego, los compositores Yasunori Mitsuda y Nobuo Uematsu también hicieron un trabajo increíble. El juego incluye 60 pistas, cada una de las cuales dura alrededor de dos minutos antes de repetirse, algo inaudito en la era de los 16 bits. Desde su lanzamiento inicial en 1995, la banda sonora ha sido reeditada en disco, rehecha para varios remakes y tocada en vivo. Es una verdadera obra de arte musical. Mitsuda incluso regresó en 1999 para Chrono Cross, que resultó ser una muestra de canciones aún más diversa, aunque el juego en sí no estaba a la altura.
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Cripta del NecroDancer (2015)
El compositor Danny Baranowsky nos dejó boquiabiertos con el juego de ritmo Crypt of the NecroDancer, que te pide que navegues por mazmorras infestadas de monstruos mientras te mueves y atacas al ritmo del espeluznante rock electrónico de Baranowsky. La increíble energía en cada pista te hace querer tocar cada nota a la perfección, y tal vez bailar un poco también.
En 2019, los fanáticos de Zelda recibieron un regalo cuando la serie lanzó el spin-off Cadence of Hyrule. Siguió muchos de los tropos establecidos por el juego original, solo que se estableció dentro de la franquicia de Zelda y ofreció una muestra increíble de ritmos electrónicos de Zelda.
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Doom (1993)
La banda sonora de Robert Prince para el Doom original cambió la forma en que los compositores se acercaron a la música de los videojuegos. Inspirándose en los clásicos del punk y el heavy metal de Slayer, King Diamond, Metallica y otros, las pistas de Prince eran contundentes y despiadadas, exprimiendo hasta la última gota de agresión de las primitivas tarjetas de sonido de la época. Las pistas más atmosféricas brindan un respiro de la brutalidad.
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Donkey Kong Country 2: Diddy’s Kong Quest (1995)
Con la serie Donkey Kong Country, es imposible elegir un ganador de la banda sonora cuando los cinco títulos tienen tan buena música y cada entrada se basa en la anterior, gracias al trabajo verdaderamente incomparable del compositor David Wise.
El primer juego presenta mezclas de jungla con infusión de rock, ritmos oceánicos y ritmos industriales de fábrica. Diddy’s Kong Quest adopta un tema pirata con popurrís de flauta y saxo en todas partes. Si bien Double Trouble de Dixie Kong fue producida principalmente por Eveline Fischer, ella honró lo que Wise había aportado a la serie y lo amplió de maneras complejas.
Quince años después, Donkey Kong Country Returns produjo otro éxito musical compuesto específicamente para invocar la banda sonora del título original. Cinco horas de ritmos fascinantes en los templos de la jungla lo convierten en un ganador. Sin embargo, la serie se superó a sí misma con Wise regresando para Tropical Freeze, creando otra obra maestra llena de diversas melodías isleñas e himnos de la jungla. Dicho esto, DKC 2 está en la parte superior de la pila.
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Atado a la Tierra (1994)
La banda sonora de EarthBound, desarrollada como una evolución jazzística de la banda sonora de Mother en NES, llevó al límite lo que era posible en Super Nintendo. La música tomó prestada del pop y el rock y muestreó pistas clásicas y folclóricas. Más de 20 años después, todavía se mantiene.
Final Fantasy VI (1994)
Cuando estás creando una gran historia con un alcance épico, necesitas una banda sonora adecuada. Es prácticamente imposible pensar en Final Fantasy VI, el mejor juego de rol de la era de 16 bits y uno de los mejores de todos los tiempos, sin su puntuación Nobuo Uematsu. El chip de sonido de Super NES se lleva al límite por la gran variedad de pistas que necesita el juego, desde la dramática y dramática melodía de batalla de jefes “The Decisive Battle” hasta la lastimera escena de la ópera.
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Fandango sombrío (1998)
Tim Schafer hizo sus huesos, sin juego de palabras, con esta aventura gráfica de 1998 publicada por LucasArts. Protagonizado por un agente de viajes esquelético llamado Manny Calavera, el poco convencional sentido del humor y las ubicaciones únicas del juego lo han convertido en un clásico. Uno de los principales contribuyentes al lugar de Grim Fandango en el canon es la banda sonora de jazz swing de Peter McConnell. Las pistas incorporan arreglos tradicionales de estilo noir con adornos mexicanos e incluso klezmer.
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Hotline Miami (2012)
El improbable éxito indie de 2012 Hotline Miami arrojó a los jugadores a un mundo mugriento de asesinatos y caos, y la música fue un acompañamiento perfecto. Las pistas fueron aportadas por nueve artistas diferentes, todos trabajando en una vena de techno fuertemente inspirado en los años 80 pero resplandeciente de modernidad. Los desarrolladores Devolver Digital se dieron cuenta de que tenían un éxito en sus manos y lanzaron todo el conjunto de forma gratuita antes de que saliera el juego. También salió un prensado de vinilo en 2014. Nuestro éxito de elección probablemente sea “Miami” de Jasper Byrne.
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Viaje (2012)
El atmosférico Journey de Thatgamecompany es el primer videojuego cuya banda sonora ha sido nominada a un premio Grammy. También demuestra el increíble potencial de la música en un medio interactivo, cambiando su tono e intensidad en respuesta a la acción del jugador. Compuesto por Austin Wintory, la música utiliza el violonchelo como instrumento principal, mezclando otros sonidos a medida que avanza el juego. Wintory tardó tres años en desarrollar toda la música de Journey, y se nota. Los fanáticos de su trabajo también deberían ver las bandas sonoras de Assassin’s Creed Syndicate y Abzu.
Katamari Damacy (2004)
Gran parte del éxito de este peculiar clásico de culto de 2004 se puede atribuir a su banda sonora totalmente única, que fue creada bajo la dirección de Yuu Miyake. El juego presentaba una serie de números pegadizos que se te quedaban en la cabeza mientras jugabas, con una mezcla de jazz, samba y sonidos electrónicos más tradicionales. El uso intensivo de voces en la banda sonora también fue muy inusual en ese momento y se sumó al atractivo cultural pop.
Leyenda de Zelda: Breath of the Wild (2017)
Es difícil elegir la mejor banda sonora de una serie repleta de música hermosa y pegadiza. Sin embargo, la música de Breath of the Wild ofrece sonidos tan diversos que es difícil de ignorar. Si bien la mayor parte del juego presenta música ambiental de piano, la banda sonora está finalmente repleta de instrumentos de viento de mal humor, cuernos edificantes, piano melancólico e incluso algo de acordeón por si acaso. Es un verdadero viaje de sonido.
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La sombra del coloso (2005)
El extraordinario juego de PlayStation 2 de Fumito Ueda es inquietante y evocador, y pone al jugador en el papel de un hombre sin nombre encargado de destruir una docena de bestias enormes y tambaleantes. La banda sonora complementa perfectamente el paisaje árido en el que te encuentras, desprovisto de otros humanos. Compuesto por Kow Otani, alterna entre una suave guitarra acústica para las secuencias viajeras y una orquestación grandilocuente, a veces disonante, para los enfrentamientos con los Colosos.
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Calles de rabia 2 (1992)
El chip de sonido Z80 de Sega Genesis tenía poca potencia en comparación con el rival Super Nintendo, pero un verdadero artista puede hacer algo maravilloso incluso con el peor instrumento. El compositor Yuzo Koshiro creó su propio lenguaje de programación de audio para Streets of Rage 2, y el resultado final fue un conjunto de melodías que se inspiraron en el techno y el breakbeat de Detroit. Esto fue en 1992, mucho antes de que el resto de la industria de los juegos se hiciera cargo del techno.
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Super Mario Galaxy (2007)
La serie Super Mario tiene algunas de las melodías más pegadizas, pero Super Mario Galaxy sacó la franquicia de este mundo al poner a Mario en el espacio exterior. Esta banda sonora de la ópera espacial va desde la observación de los zapatos estrellados hasta las melodías de aventuras cósmicas, y todo lo demás. La banda sonora de la secuela proporciona más de dónde vino eso.
Undertale (2015)
Inspirado por los juegos de rol de Super Nintendo, el desarrollador de juegos indie Toby Fox lanzó Undertale con elogios casi universales. Su música canaliza la era de los 16 bits con melodías pegadizas y ritmos de sintetizador. La canción “Megalovania” fue particularmente popular entre los jugadores.
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The Witcher 3: Wild Hunt (2015)
The Witcher 3 es probablemente lo más parecido a un juego perfecto, en parte debido a la atención a los detalles cuando se trata de construir mundos. La banda sonora incluye música folclórica e himnos de batalla compuestos con instrumentos medievales, lo que hace que el juego se sienta lo más auténtico posible, al tiempo que deja espacio para algunos cantos espirituales.
